Crítica de "Pulp Fiction" (Quentin Tarantino, 1994)

Well Hello! Ya estamos en diciembre y mi madre se niega a encender la calefacción así que es probable que se me caigan los dedos escribiendo esta entrada. Anyway, se que ayer no publiqué pero me quedé dormido toda la tarde y he amanecido hoy así que para compensar, crítica de una cinta que muchos veneráis: Pulp Fiction.

Director: Quentin Tarantino

Reparto: John Travolta, Samuel L. Jackson, Umma Thurman, Bruce Willis, Harvey Keitel, Tim Roth, Amanda Plummer, Maria de Medeiros, Ving Rhames, Eric Stoltz, Rosanna Arquette, Christopher Walken.

Argumento: Jules y Vincent son dos asesinos a sueldo con muy pocas luces que trabajan para Marsellus Wallace. Antes de realizar un trabajo, Vincent le confiesa a Jules que Marsellus le ha pedido que cuide de Mia, su mujer. Jules le recomienda prudencia porque es muy peligroso sobrepasarse con la novia del jefe, pero llega la hora de trabajar y ambos deben ponerse manos a la obra. Su misión: recuperar un misterioso maletín. (FILMAFFINITY).

Crítica: Lo primero es lo primero: el guión de Pulp Fiction es una locura, desde su compleja estructuración pasando por cada uno de los seres y frases que habitan cada pequeño micro-cosmos tarantiniano. Quentin Tarantino se creó una escuela de fans y una obra de culto muy merecidamente con su retorcido, extraño e ingenioso mundo, creado a base de tres mini-universos paralelos conectados en forma de tres historias diferentes. Para ajustarnos a ellas, dividiremos la crítica en esas tres partes: la de Vincent y Mia (Vincent Vega and Marsellus Wallace's Wife), la de Butch, Fabienne y Marsellus (The Gold Watch) y la parte final (The Bonnie Situation).

Parte I: Vincent Vega and Marsellus Wallace's Wife

Mi parte favorita. Sin dudas. Habría hecho que ocupara la mayor parte de la cinta. Me gusta todo de ella. Pero sobretodo Vincent y Mia. Son verdaderas obras de arte y todo lo que uno puede pedirle a un un escritor. Personajes divertidos, extraños y magnéticos. Mia es mi favorita y entre ambos hay una química que no se puede negar. Desde su primer encuentro en que ella lo guía con el megáfono de la casa, pasando por su baile en el restaurante cincuentero, hasta la la sobredosis de heroína. Mia está completamente loca y pone al chulo de Danny Zucko contra las cuerdas. Pareja explosiva, me hubiese quedado para ver su final, aunque por lástima, no lo hubo. Esa última despedida rebosa electricidad por todas partes y los actores (Una magnética Uma Thurman y un inmejorable John Travolta) dan lo mejor de sí. Brillante. Si hubiera que poner nota a cada parte, esta rozaría la perfección. Una verdaderamente loca, ingeniosa y divertida obra de arte.

Simplemente perfectos

Parte II: The Gold Watch

No tiene tanto magnetismo como la primera, pero la sección de Willis tratando de escapar es tan o más divertida que la primera. No es que ver como sodomizan al jefe de Vincent sea lo más agradable del mundo, pero de todos modos hay adrenalina servida para todos y su frenética huida en coche tiene tantas probabilidades de acabar bien que cuando al final logra escapara (tras una extraña situación con el susodicho sadomizado) te entran ganas de darle un palazo a Fabienne por no darse más prisa en subir a la moto. ¿Qué más te da porqué tiene tantos cortes? Ha matado a Vincent (que ya es mala suerte que se encontrara en el baño) y ha salvado la vida al rescatar al jefe de una mafia! Súbete en la moto antes de que alguien cambie de opinión y os maten a los dos. No siendo tan increíble como la primera, esta segunda parte sigue siendo una maravilla, con personajes más corriente pero la acción trepidante que haría de cualquier película un tenso y divertido plato para todo cinéfilo.

Parte III: The Bonnie Situation

Si antes dije que casi haría que la primera parte ocupara toda la cinta, habría dos razones por las que seguiría incluyendo las demás partes. La primera es que la sección de Willis es frenéticamente tensa y divertida y extrañamente se hace camino de forma muy independiente a la primera parte (bastante diferente a la segunda). La segunda es que la parte final es la que cierra el círculo de saltos temporales creados por Tarantino. Pero si bien el primer motivo hace referencia al buen contenido y material, en este caso es más por estructura argumentativa. La tercera parte cierra los cabos sueltos en la primera y da un extraño momento de gloria a Jules con el más puro lenguaje de Quentin. Más allá es la parte más obviable de toda la cinta. Hay largas escenas que ralentizan mucho el ritmo de la película y para añadir frustración, por su situación cronológica en a cinta, no cierra la trama de Mia y Vincent (cosa improbable ya que él está muerto). No digo que a nivel de trama no sea necesaria (como digo da cierre a tramas magníficamente iniciadas en la primera parte), pero en general es larga y añade poco al disfrute del espectador, siendo de lo más extraño que verás en la película.

Bye, bye...

Nota: 8,5

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Y hasta aquí la crítica. Se que muchos adoráis cada segundo de la película, pero para mi hay algunas partes que simplemente no son mucho de mi estilo. Por lo demás, una cinta esencial en la cinematografía de Tarantino. Pieza clave para cualquier fan y imprescindible para entender al director. Ahora que viene Django Unchained y tras haber visto esta, lo más seguro es que me anime con Inglorious Basterds.

Se que habrá opiniones diversas, así que no dudéis en expresarlas en los comentarios :)

Y con Thurman me despido... ;)

Nos vemos!

Crítica de "The Silence of the Lambs - El Silencio de los Corderos" (Jonathan Demme, 1991): "Well, Clarice: Have the lambs stopped screaming?"

Y seguimos con las críticas atrasadas. Hoy, por fin, reseñamos El Silencio de los Corderos.

Director: Jonathan Demme

Reparto: Jodie Foster, Anthony Hopkins, Scott Glenn, Ted Levine

Argumento: El FBI busca a "Buffalo Bill", un asesino en serie que mata a sus víctimas, todas adolescentes, después de prepararlas minuciosamente y arrancarles la piel. Para poder atraparlo recurren a Clarice Starling, una brillante licenciada universitaria, experta en conductas psicópatas, que aspira a formar parte del FBI. Siguiendo las instrucciones de su jefe, Jack Crawford, Clarice visita la cárcel de alta seguridad donde el gobierno mantiene encerrado a Hannibal Lecter, antiguo psicoanalista y asesino, dotado de una inteligencia superior a la normal. Su misión será intentar sacarle información sobre los patrones de conducta de "Buffalo Bill". (FILMAFFINITY).

Crítica: Mientras veía cintas para el trabajo sobre la historia del cine, era fácil de ver que había décadas mejores y décadas peores. Por las películas que vi, los 90 fueron una de mis favoritas. Una de las razones es esta cinta. Me encantó El Silencio de los Corderos.

Tensa, misteriosa, magnética, inteligente, terrorífica... Hay muchas formas de definirla y todas llevarían a la conclusión de que es genial. Empezando por un guión magnífico, que fue capaz de dar vida al personaje de Hannibal Lecter y a una trama acerca de las patologías mentales de un asesino en serie a la vez que creaba una película con sentimiento gracias a Clarice Starling. Asustada pero inteligente y decidida, estable y fría por fuera pero llena de miedos y recuerdos por dentro, la aspirante al FBI creada por Jodie Foster es uno de los personajes femeninos más redondos y cuidados que se pueden ver. Su personalidad fuerte pero a la vez la empatía que generaba en el público por su infravalorada condición de mujer y por los esfuerzos y situaciones por los que debía pasar para llegar a dar con la solución del caso hicieron de ella la prueba de que una mujer si podía liderar una película policíaca, y con inmejorables resultados además. El hecho de que se quedara sin padre o nadie a quien aferrarse o que estuviera tan sola en su sueño por llegar a ser alguien en un mundo dominado por hombres la alza como una heroína de su tiempo. O al menos ese es el recuerdo que me deja a mi.

Clarice Starling: una heroína moderna

Pero si yo menciono El Silencio de los Corderos, me apuesto lo que queráis que os suena más otro nombre. Sí, la buena de Clarice contó con la ayuda de un amigo un tanto perturbado, el brillante Hannibal Lecter, encarnado por un Anthony Hopkins en su interpretación más recordada. Mejor Actor en los Oscars con apenas 20 minutos de tiempo de pantalla, es fácil adivinar porqué se ha convertido en una joya viviente de la historia del cine, una pieza icónica del cine moderno; excéntrico (lunático), caníbal, ciertamente divertido, inteligente, peligroso... Una mezcla explosiva llevada a cabo con la más milimétrica perfección por parte de Hopkins. La película nunca sería lo que fue sin Hannibal. Juntos crean una pareja que encaja sin fisuras. Jugando a un extraño juego de títeres donde cada uno pregunta lo que le interesa y responde lo que el otro quiere saber (aunque Clarice tenga que abordar un terreno más personal en sus explicaciones), cada uno lleva al otro a su meta, en una audaz y magnética batalla de mentes; la desquiciada y brillante personalidad de él se amolda a la potencia deductiva de ella, dándonos las mejores escenas de la cinta.

Perverso y brillante Hannibal Lecter

Fuera de semejante torbellino interpretativo, lo último que quedo por comentar es la estructura de la trama. Lo cierto es que en ese baile de conjeturas y preguntas que mantienen los protagonistas, te llegas a preguntar si realmente van a llegar a alguna parte. Entre escapadas, asesinatos y escalofriantes escenas de el no-transexual-sí-enfermo-mental (víctima de múltiples y prolongados abusos, Buffalo Bill realmente es un personaje muy complejo) y asesino en serie que mantiene a su prisionera cautiva para engordarla y hacer "un traje de mujer", la película va avanzando y cuando el jefe de Starling (¿hay había un algo...?) le comunica que han cazado al asesino (con su indispensable ayuda y bla, bla, bla...), me llevé una gran decepción. Por supuesto estaba viendo que la espiral iba a ser difícil de cortar, pero sinceramente no veía la conexión entre encontrar al asesino porque Lecter se lo dice con los avances de Starling. Y entonces llega el magnífico giro argumental final. No des nada por sentado hasta el final. El efecto que crea esa doble apertura de puerta para encontrar nada en el caso del equipo armado y el asesino ya conocido por la audiencia en el caso de Clarice, es vertiginoso. La sensación de peligro es tan latente que hace de esas últimas escenas algo digno de un infarto: miedo y mucha, mucha tensión es por lo que pasa el espectador hasta el mismo momento en que Clarice dispara, después de unos minutos de parada cardíaca cuando la vemos avanzar en la oscuridad, acechada por su enemigo.

"Buffalo Bill" es uno de los asesinos más perturbadores y perturbados que he visto en la gran pantalla

Y de ahí al final: Clarice se gradúa y es felicitada por todo el equipo, por fin recibiendo el respeto y consideración que se merece. Todo parece sellado y con un final feliz. Pero El Silencio de los Corderos no sería lo que es sin una sorpresa en modo de despedida final... más bien, un hasta luego porque, ¿Dónde está Hannibal? En una llamada telefónica que cierra la película de una forma inmejorable, el mentor se despide de la alumna sellando el título de la película con una pregunta de respuesta ya conocida. En una última escena deliciosamente perfecta, Hannibal pronuncia la famosa frase: "Bueno, Clarice... ¿Han dejado de gritar los corderos?"

Well, Clarice... Have the lambs stopped screaming? Ogh! Escalofríos... Simplemente perfecto. La película no podía terminar mejor que dejando a Clarice preguntando "Doctor Lecter?" mientras el se encaminaba a su misión secreta ya que "un viejo amigo venía a cenar..."

Nota: 8,5

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Y hasta aquí lo que se daba. Me ha encantado escribir esta crítica (al igual que la mayoría de críticas sobre buenas películas) ya que siempre me ayuda a recordar los mejores momentos de la película... Sobretodo el maravilloso final. Comentad mucho y ser buenos... que Hannibal podría andar suelto ;)

Nos vemos!

Domive

Crítica de "Avatar" (James Cameron, 2009)

Director: James Cameron

Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldana, Stephen Lang, Michelle Rodriguez, Sigourney Weaver, Joel David Moore, Giovanni Ribisi.

Argumento: Año 2154. Jake Sully (Sam Worthington), un ex-marine condenado a vivir en una silla de ruedas, sigue siendo, a pesar de ello, un auténtico guerrero. Precisamente por ello ha sido designado para ir a Pandora, donde algunas empresas están extrayendo un mineral extraño que podría resolver la crisis energética de la Tierra. Para contrarrestar la toxicidad de la atmósfera de Pandora, se ha creado el programa Avatar, gracias al cual los seres humanos mantienen sus conciencias unidas a un avatar: un cuerpo biológico controlado de forma remota que puede sobrevivir en el aire letal. Esos cuerpos han sido creados con ADN humano, mezclado con ADN de los nativos de Pandora, los Na'vi. Convertido en avatar, Jake puede caminar otra vez. Su misión consiste en infiltrarse entre los Na'vi, que se han convertido en el mayor obstáculo para la extracción del mineral. Pero cuando Neytiri, una bella Na'vi (Zoe Saldana), salva la vida de Jake, todo cambia: Jake, tras superar ciertas pruebas, es admitido en su clan. Mientras tanto, los hombres esperan los resultados de la misión de Jake. (FILMAFFINITY).

Crítica: No se como en Filmaffinity puede utilizar tantas lineas para describir una trama como la de Avatar... (primer latigazo de la noche). Lo cierto es que metí esta cinta en el Trabajo de Recerca porque a nivel técnico había sido importante a finales de la década de los 2000, pero también porque no había tenido la oportunidad de criticar demasiado a ninguna cinta y la de Cameron era la oportunidad perfecta. 10 años en el proceso, el director de Titanic, porrón y medio de millones y la tecnología más avanzada de su época. Mézclalo y tienes un cóctel perfecto. Excepto si se te olvida algo: la trama.

Avatar se estrenó para triunfar: en la taquilla (donde arrasó) y en la temporada de premios (donde le faltaron dos tiros para ganar el Oscar a Mejor Película). Pero entre tanto pavonerío tecnológico se le olvidó que para hacer una película, lo primero que has de tener es una historia que contar. Y Cameron la tiene, oh sí. Pero es una historia a la altura de una cinta "que iba a revolucionar la historia del cine"? Ni de lejos. ¿A alguien le suena Pocahontas? El mayor problema de Cameron es que inició un proyecto en el que se había matado para lograr un envoltorio brillante e innovador, donde un astronómico presupuesto era la única llave para el éxito. Cameron, creador de mi película favorita, intentó reemplazar una historia potente, interesante, mínimamente nueva, por gigantes azules. Y se trata de contar una historia, no de enmascararla con trucos audiovisuales y vender éstos como todo lo que una película ha de tener. Porque, lamentablemente para él, no es así.

Trama de Avatar: "Mira! Soy azul"

Y es que aunque hoy en día la taquilla esté dominada por maravillas tecnológicas y blockbusters, no hay que olvidar que no son máquinas o bichos azules en taparrabos lo que va al cine, sino personas. Y cualquier cinéfilo con dos dedos de frente sabrá ver tras la cortina de efectos especiales que Avatar no pasa de mero entretenimiento. De hecho, si solo hubiese sido considerada como tal, este entrada sería más positiva: es una buena cinta de aventura y acción. Y sin las pretensiones extras no me hubiese costado hacerle una buena crítica. Pero no puede ser que una película con una trama tan previsible, cursi y repetitiva se quiera coronar como lo mejor del año. O que las más altas tecnologías acaben convirtiendo a los actores en algo irreal y forzado, con expresiones muy lejos del ideal de naturalidad y realismo que uno busca al ir al cine. Y tampoco puede ser que la crítica (que representa que es nuestra guía sobre qué ver y qué no ver) se deja engañar de tal forma. Porque los Globos de Oro son archiconocidos por sus dudosas decisiones, o por dejarse influenciar por la popularidad de una película, pero popularidad no es calidad, y sí: Avatar se merecía barrer a la competencia en categorías técnicas, pero no era, ni de lejos, la mejor cinta del año. Así que uno se pregunta porque en una época en que el cine ha de apostar por la innovación y por las nuevas caras, instituciones tan series se pueden dejar engañar de tal forma solo por un nombre. Lo peligroso no es la increíble fama que ganaron los amorfos duendes azules, lo peligroso es que todo el mundo estuviera convencido de que debía ganar antes incluso de comenzar solo por que les vendieron la moto. Estuvo a punto de ganar el Oscar. Y no es una mala película, pero en unos premios donde The Hours o Black Swan solo rascaron un premio por mejor actriz, Avatar es de lo más mediocre.

Nota: 7

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Y hasta aquí mi rapapolvos personal a la prepotencia fílmica de Avatar. Que Cameron recibiera tal nivel de elogios por ella solo me horroriza menos que el hecho de que vaya a hacer dos o tres partes más... ¿Con qué trama? ¿Adivinad de que tirará? De sus queridos efectos especiales. Y la gente irá como peces al anzuelo para ver como brilla la nueva maravilla pirotécnica del bueno de Cam. Pocos aprenden que hay que vender una historia; dudo que nadie ame Titanic por lo bien que se hunde el barco. Titanic se volvió mítica por lo que pasó en el agua, y en sus profundidades.

Os dejo el trailer (por si alguien vive en una cueva y no la ha visto o se resistió a picar el anzuelo -como yo hasta que la vimos en clase-):

Y nos vemos cinéfilos! Gracias por la gran cantidad de visitas que está recibiendo el blog últimamente, de verdad se aprecian :)

Nos vemos!

Domive

Crítica de "Casablanca" (Michael Curtiz, 1942): We will always have Paris...

As Time Goes By, seguimos con la siguiente crítica de la encuesta: Casablanca.

Director: Michael Curtiz

Reparto: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains.

Argumento: Rick y Ilsa, dos amantes separados por la guerra, se reencuentran años después en Casablanca. Sus vidas han cambiado radicalmente, pero aunque el tiempo no pasa en balde, no lo han hecho sus sentimientos.

Crítica: ¿Cuál es la historia de amor del Hollywood más dorado por excelencia? Para esta pregunta, muchos cinéfilos alrededor del mundo tendrían la misma respuesta: Casablanca.

Icono del romance en blanco y negro, la cinta de Curtiz ha traspasado el tiempo hasta nuestros días y sigue siendo considerada una de las películas clásicas más icónicas. En la sociedad líquida en que nos hayamos, en que un supuesto éxito es olvidado en menos de una década, o de un año, eso tiene un mérito. 

Pero, que representa hoy en día para los que la ven? Para aquellos que no han crecido con su leyenda presente, sino que la visionan por primera vez. Sigue teniendo tanto significado como lo tenía entonces? Para los amantes del cine (o al menos para este amante del cine) sí. Lo que hay que entender cuando ves Casablanca es que no es un espectáculo que se pueda ver por fuera, es algo que se ha de vivir desde dentro. La ciudad que dio el nombre a la película, y donde sucede la historia, tiene una magia que solo el tiempo ha sabido construir y reforzar, y que hoy en día sigue sin perderse. Su cinematografía, su sobriedad... en ella se encuentra sumergida la historia y en ella se ha de sumergir también el espectador. Si lo logras, es casi imposible que no te guste. Desde la ambientación hasta el inolvidable final, pasando por sus misteriosos personajes, que la encumbraron como la obra de arte del cine que es considerada hoy en día.

"As Time Goes By"... Play it, Sam! For old times sake... Magic.

Sobretodo sus personajes. Sello de una inolvidable época para el cine, aúnan nostalgia y la tan recordada historia de amor imposible. El cerrado y torturado Rick, con su halo de misterio masculino, enamorado locamente de Ilsa en realidad. Y la misteriosa Ilsa (una maravillosa Ingrid Bergman), el amor del pasado que vuelve para huir de nuevo, trayendo dolorosos recuerdos del pasado. No es una historia destinada a terminar bien, verdad? No. Y de todos modos, sigues agarrándote a una última esperanza de que logren escapar. Pero bueno, no sería Casablanca sin su triste final. Ella se embarca en su viaje hacia América. Él se queda en tierra y se resigna a seguir soñando en una felicidad demasiado buena como para realmente ser real. Al final, tras una de los adioses más recordados de la historia del cine, Rick y el Capitán Louis Renault comienzan ese famoso paseo final mientras sellan "El comienzo de una bonita amistad". ¿Como no amar Casablanca?

He's looking at you, kid...

We will always have Paris...

Nota: 8,5

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Y hasta aquí la crítica de hoy. Comentad vuestras opiniones, mis pequeños cinéfilos :)

PD: Casualidades de la vida: ayer 26/11 fue el 70º cumpleaños de Casablanca!

Nos vemos! 

Domive

Crítica de "Crazy, Stupid, Love" (2011)

Hace unos días os contaba que mi plan para el blog en este último trimestre del año era combinar las cintas de la carrera de premios con las que vi en el Trabajo de Recera y complementarlo con las entradas a nuevas series y el repaso seriéfilo trimestral que hago en Navidades. A este plan solo escapan (a parte de las inevitables entradas de premios y nominaciones u otros especiales que pueda hacer puntualmente) dos cintas que quería ver antes de comentar con el TR y que había dejado aparcadas. Una de ellas era "Little Miss Sunshine", que hace tiempo que quería ver y que visionaré seguramente este fin de semana. La otra, que vi el domingo por la noche y de la cuál os vengo a hablar hoy, es "Crazy, Stupid, Love". Lo se, "comedia del montón" es lo que viene a la cabeza, pero me encantó el trailer y me picó la curiosidad por el reparto. Pero vayamos por partes:

Director: Glenn Ficarra

Reparto: Steve Carrell, Julianne Moore, Ryan Gosling, Emma Stone, Jonah Bobo, Analeigh Tipton, Marisa Tomei, Kevin Bacon.

Argumento: Cal Weaver (Steve Carell), cuarentón y puritano, tiene una vida perfecta: un buen trabajo, una bonita casa, unos hijos estupendos y está casado con su novia de la adolescencia. Sin embargo, cuando se entera de que su esposa (Julianne Moore) lo ha traicionado y quiere el divorcio, su vida se desmorona. (FILMAFFINITY).

Crítica: Como decía antes, lo primero que me atrajo de esta cinta coral fue el divertido y pegadizo trailer y su sobresaliente reparto. La crítica no se volvió loca con ella, pero recibió una buena acogida y me esperaba una notable dramedy con un guión ingenioso, inteligente y divertido y fuertes interpretaciones (vamos, algo entre Bridesmaids y The Kids Are All Right). Lamentablemente, y aunque ya la vi por hacerla desaparecer de la lista de pendientes, las expectativas creadas quedaron muuuuy alejadas de la realidad.

Para empezar, tenemos el reparto. Lo más potable de la cinta. Tenemos un reparte que incluye Oscars, Globos de Oro... Y sinceramente mi favorita fue la amiga china de Emma Stone. Steve Carrell está totalmente atontado, y quizás incluso más cursi, todavía no lo he decidido. Confiaba en encontrar en el Jacob de Gosling un Barney Stinson fílmico, pero el personaje se desinfla demasiado rápido: su trama de cambio de look con Cal se desarrolla en un par de minutos y a media película se da el batacazo padre en su no-escena-de-sexo con Hannah "Banana", que se convierte, a todavía una hora para el final, en el punto de inflexión para la cursilería desenfrenada. Stone y Moore no están mal, la primera en la vertiente más cómica, la segunda en la más emotiva, pero sin excesos innecesarios, al contrario que Carrell. Bacon apenas aparece y Tomei está sobreactuada por encima de lo que una comedia puede soportar. En conjunto me parece un reparto mal aprovechado en una historia floja y moñas. Vayamos con ella.

Una lástima desaprovechar semejante reparto. Moore y Stone se salvan. Carrell lo peor. Gosling se desinfla antes de llegar a la mitad. Bacon inexistente. Tomei excesiva.

La trama... ¿Qué decir? Demasiado azúcar. Por todos lados. Ya sea por una declaración de amor, como por una escena de "apertura personal", como el horrible discurso final delante de todo el colegio. La trama Robbie-Jessica-Cal? Eso que es? No digo yo que acosar a tu alma gemela diciéndole que te masturbas pensando en ella no sea romántico... que no lo es... pero que ella esté enamorada de tu madre cuarentón (y que le envíe fotos desnuda)... Además, mientras la linea de la cordura se medio-mantiene durante la mayoría de la película, al final, en el ya citado discurso, se tira todo lo que tiene sentido por la borda y, después de que el niño de un repetitivo y forzado discurso sobre lo falso que es el amor (love is for assholes...), Carrell nos envuelva en azúcar y glasé para que así su hijo puede repetirle una vez más a su niñera que la quiere y que se hace tocamientos pensando en ella, a lo que ella sonríe encantada. Todo muy lógico, sí. Si lo malo es que la cinta tiene sus momentos (dulces, divertidos...) pero por encima de ellos hay un importante exceso: exceso de azúcar, de metrage... En serio, la seudo-pasividad de Cal hace que te entren instintos asesinos y hace casi insoportable llegar al final. Y representa que es él el que lleva la película. Con la ayuda caída de Gosling, tan solo algunas escenas de sentimiento más real por parte de Moore llegan a ser cálida y bien recibidas y es el humor irreverente y extraño que viene del ámbito de trabajo de Stone la que provoca las pocas carcajadas de la cinta, no la desquiciada Tomei.

-Ei, Jessica! Te quiero tanto que me toco pensando en ti!

+Genial! Ahora te doy las fotos que me hice desnuda y que le pensaba mandar a tu padre!

Si hay algo que se salva de toda la cinta, a parte de las ya mencionadas excepciones interpretativas y algún de otro momento con corazón (de los reales, no de los de cartón) junto alguna que otra risa (insisto en Liza Lapira -la amiga oriental de Stone- es lo mejor de la cinta), son los giros argumentales. En una cinta tan simplona e intragable, es sorprendente encontrarse con un esfuerzo por intentar hacer la trama algo más interesante e intentar sorprender al espectador. Claro que sin ellos, acabar de ver la cinta hubiese sido una odisea... Además, como justificar el seguir con una historia que ni siquiera tiene ánimos por empezar? En cualquier comedia estándar, se comienza mal, se sale del hoyo, uno se da cuenta de que ha de hacer en realidad tras una lección que te da la vida y la trama se resuelve. Aquí Cal jamás parece tener ánimos para arrastrar su cuerpo o ser siquiera un personaje creíble... y todo el escenario montado a su alrededor carece todavía más de sentido. Crazy, Stupid, Love parece no comprender que muchas veces en la medida está la fuerza: un contenido discurso con las palabras justas pero necesarias y un sentimiento real vale más que media hora de palabras huecas rodeadas de azúcar por todos lados.

Parece mentira pero Crazy, Stupid, Love si tiene algunas sorpresas guardadas en la manga. No os los cuento porque sino vapuleo cualquier posibilidad de que terminéis la película

Al final, una película aparentemente divertida, agradable y con sentimiento se hunde por la propia inconsistencia de su guión, por la excesiva necesidad de caer en sentimentalismos y por el hecho de que ningún personaje está diseñado para ser ni un poco diferente, todos terminan en el mismo hoyo unidos cuál familia feliz. Al final, tras alguna escena más notable y alguna que otra risa, carpetazo y final feliz. Fin de la historia.

"Ha sido un año muy duro" (dice Moore). "¿Porqué?" bromea Carrell. Madre mía... Ella es la única que aporta alguna escena de sentimiento de real para llegar a la audiencia (como cuando le llama con la falsa avería), por lo demás... una cinta por debajo de la media de comedias palomiteras

Nota: 5,75-6
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Parece mentira que con semejante rapapolvos le ponga casi un seis. Bueno, como digo tiene sus momentos y su humor raro para defender el aprobado. Por otra parte es la nota más baja que da el blog desde Crepúsculo.

Os dejo el trailer por si os aburrís mucho una tarde de domingo y no sabéis con que torturaros por vuestros pecados (?):

Pero advierto a los que no soportan el azúcar que esto no es para ellos... A los que ya la habéis visto? Opiniones a favor, en contra? Comentadlas! :)

Nos vemos!

PD: mañana comienza la temporada de premios :) Como es imposible que vaya haciendo entrada de cada gremio (moriría en el intento), haré recopilaciones semanales y solo dedicaré entrada a los grandes, pero aún así, no es emocionante? #Freak

Domive